「解读」什么是钢琴弹奏法

  什么是钢琴弹奏法?钢琴弹奏法是什么意思?   据音乐史料记载,18世纪以前弹奏古钢琴的方法,只用左手的三个指和右手的三个指,大指和小指都不用,只是自然地垂在上面。如果用了大指和…

「解读」什么是钢琴弹奏法

  什么是钢琴弹奏法?钢琴弹奏法是什么意思?

  据音乐史料记载,18世纪以前弹奏古钢琴的方法,只用左手的三个指和右手的三个指,大指和小指都不用,只是自然地垂在上面。如果用了大指和小指,不仅认为方法不正确,而且还犯了大忌。音乐之父巴赫是第一个将大指和小指解放出来的演奏家,他的演奏方法,手指几乎不离开键盘,用细微的轻松的动作来弹奏。贝多芬不仅是以为古典乐派和浪漫乐派之间承上启下的伟大作曲家,而且他还是一个著名的钢琴演奏家。贝多芬是第一个高抬手臂弹奏钢琴的演奏家,他击键的力度之强,几乎从头到尾都在砸键盘。贝多芬不仅丰富了钢琴的表现力,也开创了钢琴演奏的先河。

  古今中外有许多钢琴家都曾谈论过钢琴演奏的技术方法及其训练途径。比如前苏联著名钢琴大师——戈多夫斯基明确提出了技术与技巧的不同概念。他认为:“技能自然是包括了从机械性能的角度来训练手—就是尽可能地使手能弹出最高的速度、最大的力度,并使手具有能力能弹奏各种因指法或各个调在键盘上的特殊排列而极为困难的经过句。技巧不同于技能,他和智力有关而不是体力方面的问题,它是脑力方面的学习而不是手指或体力方面的学习。技巧的含义就是节奏、拍子、重音、分句、力度、缓急法、触键等。对以上所提的这些项目有敏锐的理解,并能根据自己的解释运用到键盘上,那就可称为有高度的技巧。”

  中国钢琴艺术理论家魏廷格指出:“严格的说,(二者)不是一回事。技术侧重的是不涉及艺术性的能力。比如手指运动的速度、力量、灵敏度等。而技巧则是将技术运用于乐曲艺术内容表现的能力。比如在乐曲的演奏中,恰当、巧妙的运用技术,弹出音乐需要的轻、重、缓、急等等。所以,有了技术不一定具有技巧。但没有技术则肯定谈不上技巧。”还有一些理论研究者,在著述中把钢琴演奏技巧分为技术性技巧和音乐性技巧,以便于区别开二者的内涵。象这样关于钢琴演奏的技术与技巧辨析的文章很多,都说明对于钢琴艺术理论的研究来说,明确的区分二者的不同内涵,对于钢琴教学的研究向着科学化、纵深化的道路上发展有着重要的意义,同时也便于钢琴学习者正确的理解技术技巧的训练。

  钢琴弹奏技巧是每个钢琴演奏者和学习者谈论最多的课题之一。因此,熟练掌握、运用钢琴弹奏技巧,是揭示音乐内涵,塑造艺术形象,刻画典型意境的基础。

  一、触键方法钢琴的触键方法直接影响弹奏的音色、音质、音量,实际上就是如何用力的一个问题,触键的用力形式包括两个方面:用力方式和传力方式。

  用力方式主要体现于形式不同的触键速度,这是决定击弦速度的关键因素。以下是几种可用作改变触键速度的技术手段:运用手的不同部位,从手指、小臂到肘部、大臂乃至身体,运用不同的重力条件来改变下键速度;通过训练有素的手指肌肉力的运用,以及与重力的恰当配合,自由地控制和改变下键速度,创造出丰富的声音变化;利用手指离键的不同高度触键,提供改变下键速度的条件,以改变声音效果;变化手指离键速度,对声音的延续及共鸣产生影响,从而带来声音效果的变化;改变触键的用力方向,如垂直纵向、水平横向、斜向、往里推、往外拉等。

  可以这么说,没有手指的支撑传力,就没有钢琴弹奏可言。事实上,支撑方式的改变,直接影响到音质、音色和音量。手的支撑主要体现于三个方面:触键手指指尖的软硬度,手指各类关节的牢固程度,手腕及用何种方式发挥富有弹性的支撑作用。以下是可操作并可改变支撑的主要技术手段:改变指尖的坚度——从相对放松的指尖到相对牢固的指尖;改变手指触键面——从指尖较直立的形式到指面较平坦的形式,每一变化层次又可以形成指尖坚度的改变;改变手指第一关节或第三关节的牢固程度——从第一、第三关节较柔顺到较坚挺,改变手指传力的支撑强度;改变手腕的支撑调节——手腕像一支弹簧,其功用是支撑调节,弹簧的软硬度能在不同程度上既发挥支撑作用,又发挥调节作用,从而改变手的支撑传力状态。

  二、弹奏方法

  钢琴弹奏方法是伴随着钢琴这个乐器自身的进化以及与之相适应的钢琴作品弹奏技巧的需要而发展的。巴洛克时期、古典主义时期未臻完善的钢琴和颗粒晶莹、典雅清秀的钢琴音乐主要采用手指跑动与小臂动作结合的方法弹奏。现代钢琴和气势恢弘、表情丰富的浪漫乐派要求必须采用手臂与躯体重量通达琴键的重量弹奏法来弹奏。重量弹奏法作为目前钢琴演奏与教学中的基本方法被普遍采用。这种方法的核心是重量通达,即手臂与躯体的自然重量畅通无阻地通过触键手的指尖送至琴键。触键不是手指的独立活动,而是手指、胳膊及躯体共同协调动作的后果,指、掌、腕、肘、肩乃至腰肢各关节在触键时互相关联、互相影响、配合密切、张弛自如。重量弹奏能够适应任何力度、速度、长度、技巧的钢琴音乐演奏的需要。

  三、钢琴奏法的分类

  (一)连奏法

  连奏是弹奏者应掌握的基本技能之一,其特色是连续绵延,富于歌唱性。必须注意以下几点:1.奏后一音手指落下的同时奏前一音的手指方可抬起,“这一起一落便在同时”。2.手臂与躯体的自然重量必须始终贯于琴键,无论声音强弱必须触键到底。

  (二)断奏法

  断奏包括非连音、跳音、顿音与半连音等,其共性是各音断开,不可粘连;个性则程度有别,需具体对待。跳音短促而有弹性,奏所标音符时值的1?2;顿音短促而有力,奏所标音符时值的1?4;半连音若断若连,奏所标音符时值的3?4。根据乐曲对速度、力度、风格的要求与活动部位的不同,断奏又分为手指断奏、手腕断奏与肘部断奏。各种奏法对手臂下落触键与抬起离键的动作部位、活动幅度等有着具体的要求

  (三)特性奏法

  特性奏法主要是针对各种装饰音即倚音、波音、回音、颤音和震音等采用的奏法。装饰音的特点是对本音的装饰作用,弹奏的时值、力度、均匀度等应从严把握,切忌喧宾夺主;同时装饰音的弹奏还受乐曲速度、力度、风格的制约,不可千篇一律。震音有同音反复、多音反复的震音,此类奏法对掌关节、指关节与腕关节的弹性、灵活性及力度有较高要求。

  四、五指组合练习

  包括各种音阶、琶音,各种双音、和弦与八度。音阶琶音按种类分大小调式、五声调式及半音阶;按形式分为双手同反向八度、平行三度、六度、五度及十度等。玛格丽特·隆指出:“一挥而就的快速音阶弹奏,是进入高级演奏艺术的绝妙台阶。”

  音阶琶音是钢琴弹奏重要的基本练习和手指训练的重要内容之一,是弹奏者的每日必修课。弹时关节要灵活自然,以调整手指运动方向;各指之间的穿跨动作要准确敏捷,以保证上下行音连贯顺畅,还应注意各指的均匀适度与双手的平衡整齐。

  双音按音程分为三六度、四五度及二七度等;和弦按结构分大小增减三和弦、七和弦、九和弦、二四五度等非三度叠置和弦、附加音和弦及多音和弦等。双音与和弦的奏法要求触键手指支撑牢固,手腕灵活而有弹性,所奏各音整齐划一。

  八度与八度加音和弦是钢琴弹奏中有相当难度而又非常重要的技术课题,弹奏者需持之以恒地艰苦练习,否则是无法演奏一切高难度作品的。其奏法要领是:手指坚定有力、手腕放松灵活、肘部刚强而有弹性、大臂与背部积极配合、手臂与躯体重量下沉贯通。特别是小手指的训练对八度弹奏作用举足轻重,它一方面是五个手指中最为软弱笨拙的,另一方面担负着音乐中最为重要的声部,两个手指一高一低,最高音是旋律,是传统音乐的灵魂,而低音则决定功能属性与色彩特色。因而要尽量缩小小手指与其他手指在力度、独立性、灵活性等方面的差距。

  综上所述,笔者认为,要获得钢琴弹奏的技巧,必须练不同类型的钢琴练习曲及弹奏各种风格体裁的乐曲。在初中级阶段,应集中时间、精力练习一定数量的车尔尼、克莱门蒂及英什科夫斯基等人的练习曲;高级阶段,应通过弹奏肖邦、李斯特、拉赫玛尼诺夫等大师的音乐来练习各类乐曲。这样才能真正掌握钢琴弹奏技巧,才能揭示音乐内涵,塑造艺术,画典型意境。

  钢琴技巧的风格演变

  钢琴的发展归因于对击弦古钢琴和羽管键琴的局限性的突破。击弦古钢琴发声极其细弱,基本上不能用于公开演奏;羽管键琴虽然更加明亮,但不能变化音色。巴赫和亨德尔使用的是击弦古钢琴和羽管键琴,但他们的键盘音乐中充满着装饰音(ornaments)——颤音、回音、倚音、波音,以代替音的延续和力度的变化。

  随着钢琴的发展,音色能够通过手指的压力而加以变化。这就代替了对过多装饰音的依赖,突出了纯净的旋律。巴赫的儿子C·P·E·巴赫(1714-1788)提出了如歌的演奏风格,并声称要在键盘乐器上歌唱。他是最早明确采用旋律和伴奏(注:若不用双人弹奏,这在拨弦古钢琴上是不可能的)的形式进行创作的作曲家之一,从而直接影响着奏鸣曲式的发展。他还分两次(1753和1762)出版了论文《钢琴演奏的艺术》,这是最早有关键盘演奏的理论性教程。由于他所发展的弹奏技术以及为支持其理论而创作的键盘音乐,他可以被认作“钢琴演奏之父”。

  随着维也纳轻动作机钢琴的改进,海顿和莫扎特能够确立奏鸣曲式(sonataform)的结构模块之一—个性化旋律从背景中清晰地凸现出来。虽然莫扎特更广泛地使用钢琴,而较少使用更早期的键盘乐器,但他继承了羽管键琴的键盘控制风格,轻柔且紧凑,不时带点华彩效果。

  克莱门蒂(Clementi,1752-1832)在他关于音质、速度、独立于伴奏的旋律的理论中追随着海顿和莫扎特,他的《艺术津梁》(GradusadParnassum)是一部键盘弹奏技术的圣经。他还提出了一种系统的方法来加强弱指的力量。与海顿和莫扎特不同,克莱门蒂喜欢英国钢琴的槌击方式,这种钢琴能产生一种更强、更清脆的音色。

  贝多芬也喜欢用更重的英国钢琴。他是一个奇特的演奏家,他追求音乐中洪亮的乐音,而不是雅致的东西,并要求从深刻的情绪中产生出急促的音色。他的同代人冯·韦伯(Von·Weber,1786-1862)和车尔尼(Czerny,1791-1857)也支持贝多芬充满着革新精神的强有力的弹奏和表达方式。韦伯是一位音乐会钢琴家和作曲家,他发明了一些技巧——大胆地使用左手而不仅仅是用于伴奏,以及散射性的、宽广的和声——并很快被同时代的作曲家所接受。车尔尼为了加强弹奏的速度和流畅性专门写了钢琴练习曲。

  协调地轻轻使用延音踏板使得舒曼和肖邦能够奏出曼妙而富于诗意的音色(注:具有讽刺意味的是,人们从一开始就认为音质是改进中的钢琴的主要弱点),并确立了这种音色所具有的艺术价值。肖邦认识到了手的根本弱点,并以此建立了他自己的技巧。他的技巧性练习曲——《钢琴练习曲Op.10》和《钢琴练习曲Op.25》,极富灵感地展示了手在自然放松状态下的弹奏。另一位钢琴家塔尔贝格(Thalberg,1812-1871)获得了一种非同寻常的能力,可以使钢琴听起来象在歌唱,这给门德尔松以启发,使他在许多首《无词歌》中表现出了旋律的力量。

  李斯特继续沿着肖邦的道路前进,但他追求更强烈的音色。他在键盘边坐得更高以便于加大肩和臂自由下落的力量。他通过使用延音踏板使他的手解脱出来进行下一次击键。他在《十二首超技练习曲R.2b》中融进了他的这些革命性思想,增强了音量。为了支持李斯特及其追随者的气势磅礴的演奏风格,钢琴制作者们给琴键增加了数盎司的阻力。对李斯特的直接追随者而言,技巧本身变得重要了,而音量的增强常常是以损失丰富的音色为代价的。

  勃拉姆斯为了内在的动机而避开了外在的华丽,他的音乐中极少出现单纯技巧的雕饰。他在技巧上作出的贡献来自于一种协调一致的音乐语言,歌声与和音、和弦及结构呈复调性的交织。他的《五十一首练习曲》向钢琴家们表明了加强手指力量和独立性的必要技术,以支持他自己的观点。

  在李斯特时代之后,曾对“砸琴者”进行过反击,开始时兴一种受到约束的风格(勃拉姆斯的作曲特点一般地使他置身于那些极端的声音之外)。正如19世纪的那些伟大教师所作的那样,柴可夫斯基回复到了一中折衷的观点。接着,坏俅幕?虸·菲利普·弗朗克又重新采用有力、流畅的技巧来表达严肃的音乐思想,并给这种技巧以新的尊严。

  德彪西给钢琴提供了一种新的技巧。他通过采用延音和强音踏板让音符流动,以此来刻画自然的声音(水、风、雨),并获得具有异国情调的东方乐器(钟、锣、嘎麦兰)和管弦乐器(长笛、号、鼓、铜管乐、钢片琴)的音色。他的精湛技艺(在灵巧性上是浪漫主义的)切合了当时的表现主义,是一种通过手指和踏板表现印象的卓绝技能。他的《12首练习曲》为他的特殊表现方法提供了基本的技巧和音乐手段。

  以巴托克为先驱,很多现代音乐都视钢琴为纯打击乐器。巴托克在《小宇宙》(Mikrokosmos)中勾勒出了一个钢琴作曲和演奏的全新计划,这一计划一直延续至今。现代音乐生硬而不协调,具有强烈的个性化色彩并时常导向表现性。今天的钢琴音乐处于过渡时期,没有调号和时间记号,也不依照常用的手型。使用电子设备和计算机所进行的实验超越了传统钢琴音乐和手的限制,充满舞台的是全新的电子乐器家族,有些带有键盘,而有些没有键盘。

  在过去最优秀成果的基础之上,现代钢琴教育有条件利用自巴赫出生以来大约三百年的发展成就。对传统的保留曲目来说,完美的演绎要加以褒奖,而尽可能少地矫柔造作。手臂要习惯于自由放松;手指要富于技巧;不管是共鸣声还是打击乐,音色都可通过对训练有素的肌肉进行精细的控制而生成。当今的钢琴家们已经发展出了非凡的技巧,这种技巧与相应乐器强有力的发展相辅相成。

作者: 乐器小编

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